Questi oggetti appartengono alla tradizione dell’arte popolare italiana, in cui materiali semplici come la cartapesta venivano modellati a mano per creare piccole decorazioni domestiche o elementi votivi. Le cornici, dalla forma mossa e irregolare, sono tipiche della manifattura pre-industriale, quando la cartapesta veniva pressata manualmente in stampi rudimentali o direttamente modellata sul supporto.

I soggetti dipinti – fiori stilizzati e una colombaia rurale – mostrano uno stile arcaico, ingenuo e simbolico, caratteristico della pittura popolare del XVII–XVIII secolo. I colori terrosi e le superfici fortemente patinate confermano l’età dell’opera e la totale autenticità dei materiali.

La coppia è particolarmente interessante perché gli oggetti di arte popolare di questo periodo sono raramente giunti fino a noi, soprattutto in condizioni omogenee e con decorazione originale ancora ben leggibile.

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La pennellata è energica e ben definita, con un forte senso del chiaroscuro e una composizione equilibrata, tipica della pittura decorativa italiana della seconda metà del XX secolo.

Il dipinto è firmato in basso a destra “C. Guardigli 1973”, artista non documentato nei repertori ufficiali, pertanto la firma è da considerarsi non attribuita con certezza, pur mantenendo un interesse decorativo e collezionistico.

Opera ideale per ambienti rustico-chic, cucine in stile country, sale da pranzo, agriturismi o studi privati.

Cornice originale in legno semplice, perfettamente coerente con l’epoca.

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Le opere sono eseguite con tecnica mista acquerello e china su cartoncino, caratterizzate da colori vividi e un tratto elegante tipico degli illustratori naturalistici del dopoguerra.

Le cornici, coeve, sono in legno tinto scuro con vetro originale. Perfette come elementi decorativi per soggiorni, ingressi, studi o ambienti vintage e tropical chic.

Opera decorativa italiana, unica e firmata.

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A. Comitale è un pittore attivo in Italia tra fine XIX e inizi XX secolo, probabilmente di area napoletana, noto per i suoi paesaggi naturalistici di grande suggestione, spesso caratterizzati da vedute rurali e atmosfere luministiche tipiche della tradizione pittorica meridionale.

Il quadro è presentato in una cornice dorata coeva che ne valorizza la composizione.

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La composizione, dal tratto dinamico e ricco di materia pittorica, si distingue per l’uso energico del colore e della luce. Il quadro è incorniciato in una cornice in legno con passepartout in lino.

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La composizione mostra la sensibilità tipica dell’artista, capace di fondere impressionismo controllato e armonia tonale, con accenti di serena malinconia.

Breve biografia dell’artista:

Violetta Branzanti (Ravenna, 1914 – Ravenna, 2001) si formò con Guido Ferroni e partecipò fin dal 1936 a esposizioni nazionali, tra cui la II Mostra d’Arte Moderna del Sindacato Fascista delle Belle Arti di Ravenna e altre collettive interprovinciali a Bologna. La sua produzione spazia tra nature morte, paesaggi e ritratti, sempre con una pittura elegante e misurata. È ricordata come una delle pittrici ravennati più interessanti del Novecento, tanto che la Cassa di Risparmio di Ravenna le dedicò un calendario artistico nel 2005.

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L’opera è attribuibile alla scuola italiana del XVIII secolo, e presenta uno stile tardo barocco popolare, caratterizzato da una composizione teatrale, colori intensi, panneggi voluminosi e un’iconografia narrativa ricca di dettagli.

Il Cristo è raffigurato al centro con aureola radiante, nell’atto di benedire il pane, mentre ai suoi lati i due discepoli reagiscono con stupore e gesti eloquenti. Sullo sfondo, una domestica in abiti dell’epoca porta un piatto, e un cane accucciato in primo piano rafforza la dimensione quotidiana della scena. La credenza con piatti disposti in ordine e la brocca a destra completano l’ambiente interno, tipico della pittura devozionale.

Il dipinto è montato su un robusto telaio ligneo originale e racchiuso in una cornice coeva in noce liscia e semplice, che valorizza le dimensioni monumentali e la scena centrale.

Condizione: Buona. Tracce d’età compatibili, tela stabile e ben tesa. Alcune ridipinture puntuali.

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La Vergine è ritratta in preghiera, con le mani congiunte e lo sguardo rivolto al cielo, mentre una spada le trafigge il cuore, simbolo del settimo dolore e della profezia di Simeone (“e anche a te una spada trafiggerà l’anima”, Luca 2:35). L’opera presenta una composizione sobria ma espressiva, con un fondo nuvoloso che accentua l’aspetto mistico e spirituale della scena.

La gamma cromatica è tipica della pittura barocca: manto blu scuro, velo ocra, incarnati delicatamente modellati con chiaroscuro drammatico. Lo stile pittorico e la resa luministica richiamano l’ambito della scuola emiliana o napoletana, influenzata da autori come Guido Reni e Solimena.

L’opera è in buono stato conservativo, con lievi segni del tempo e tracce di vecchi restauri compatibili con l’età e la cornice è coeva. Ideale per collezioni di arte sacra, arredo di ambienti classici, cappelle private o contesti devozionali.

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“Omaggio al Maestro Ciardi – M. Gasparini”

L’opera rappresenta un canale veneziano animato da un veliero con vela rossa, attraccato accanto a edifici storici e ombreggiato da una rigogliosa vegetazione. Sullo sfondo, un ponte ligneo pedonale attraversa il canale, guidando lo sguardo verso l’orizzonte inondato di luce. I riflessi sull’acqua e le calde tonalità cromatiche richiamano la scuola pittorica veneta post-impressionista.

Il riferimento esplicito a Ciardi – con ogni probabilità Beppe Ciardi, maestro del paesaggio veneziano tra fine Ottocento e inizio Novecento – colloca quest’opera come omaggio pittorico, dichiaratamente ispirato a quella tradizione luminista.

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Le opere riportano l’iscrizione:

“Jo. Jacobus de Rubeis Formis Romae ad Templum Pacis cum Privilegio S. Pontif.”

Questa formula riconduce alla prestigiosa officina tipografica De Rossi di Roma, attiva tra XVII e XVIII secolo e nota per la produzione di stampe d’arte, scientifiche e decorative.

Queste incisioni, verosimilmente ispirate ai lavori di botanici come Giovanni Battista Ferrari, illustrano composizioni floreali idealizzate, tipiche dell’estetica barocca e post-barocca.

Queste stampe sono perfette per impreziosire studi, salotti o ambienti dal gusto classico o country chic, ma anche per collezionisti di grafica antica e illustrazione botanica.

Caratteristiche principali:

• Periodo: XVII-XVIII secolo

• Tecnica: incisione calcografica colorata a mano

• Provenienza: Roma, tipografia De Rossi

• Cornici in legno decorate, pronte da appendere

• Ottimo stato conservativo

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